Mains d'Œuvres

La Famille Farrell

Blandine Paploray — 2010-08-19T18:53:32Z

Une exposition Seine-Saint-Denis Style !
"La Famille Farrell" est composée de trois frères artistes : deux plasticiens (Seamus et Malachi) et un musicien (Liam alias Doctor L) qui pratiquent un art accessible et immédiat, mélange foudroyant d'écologie, de robots et de culture hip hop. Mains d'Œuvres et la Maison Populaire les invitent à collaborer pour une exposition à l'image d'un grand aéroport : décollage à Mains d'Œuvres et atterrissage à la Maison Pop
Vernissage vendredi 3 septembre à partir de 18h suivi d'un live avec Doctor L, Allonymous, Kiala English Version

La Famille Farrell, une exposition Seine-Saint-Denis style ! Seamus, Liam et Malachi Farrell

Jamais dans la tendance mais toujours dans la bonne direction. Scred Connexion

D'origine irlandaise, Seamus, Liam et Malachi Farrell vivent en France depuis une trentaine d'années. Très unis, les trois frères partagent le même engagement artistique : un univers urbain explosif connecté à la réalité sociale et politique de leur temps. « La Famille Farrell » est composée de deux plasticiens (Seamus et Malachi) et d'un musicien (Liam alias Doctor L) qui pratiquent un art accessible et immédiat, mélange foudroyant d'écologie, de robots et de culture hip hop. La Maison Pop et Mains d'Œuvres les invitent à collaborer pour une double exposition construite sur le modèle d'un scénario de blockbuster. Machines, sons et projections fusionneront dans un décor brut et foisonnant inspiré par l'imaginaire d'un avion dont la trajectoire se déroulera en deux temps : décollage à Mains d'Œuvres et atterrissage (voire crash ?) à la Maison Pop.

Leur participation à des projets de grande ampleur (Centre Pompidou, Biennale de Gwangju, etc.) ainsi que la reconnaissance médiatique de leur travail n'a pourtant jamais abouti à une réelle collaboration entre les trois frères nourris d'influences communes. La Maison Pop et Mains d'Œuvres s'associent pour co-produire ce projet inédit et multidisciplinaire imprégné de leur environnement local (la Seine-Saint-Denis) et de leurs connexions internationales (Marrakech, New York, Paris, Dublin). Ces flux constants entre les pays, centres et périphéries, ont motivé leur pratique artistique libérée de toute tentative de cloisonnement. L'exposition propose de vivre une expérience marquée par les paradoxes de notre culture contemporaine à l'image d'un grand aéroport : nœud de forces antagonistes où cohabitent files d'attente et voyages éclairs, vols low cost et haute technologie, zones de contrôle et ouvertures des frontières.

De Saint-Ouen à Montreuil, La Famille Farrell est une exposition à suspens décalée dans le temps et l'espace. Trois points de vue différents se rejoignent pour créer une œuvre totale et complexe en écho direct avec l'identité de la Maison Pop et Mains d'Œuvres, deux lieux actifs en banlieue parisienne militant pour un art contemporain, pointu et populaire.
Commissariat : Isabelle Le Normand et Florence Ostende

Le New-York Times en parle déjà, lire l'article

Mains d'Œuvres
1, rue Charles Garnier, 93400 Saint-Ouen
Métro Porte de Clignancourt (ligne 4), Garibaldi (ligne 13)
*Vernissage vendredi 3 septembre 2010 à partir de 18h

Maison Populaire
9 bis rue Dombasle, 93100 Montreuil
Métro Mairie de Montreuil (ligne 9)
*Vernissage mardi 28 septembre 2010 à partir de 18h

Merci à tous nos partenaires

La part des choses / épisode # 3 (Still life)

Isabelle — 2010-05-04T07:13:01Z

Exposition collective proposée par In Extenso
Pièces silencieuses, formes altérées, parfois désincarnées et tenues comme par miracle par un jeu de tensions physiques, figures de l'absence ou tentatives d'apparition, pieds de nez propres à l'impertinence des choses qui nous entourent. Avec : David Beattie, Thomas Bernardet, Hervé Bréhier, Matt Calderwood, Marc Geneix, Ingo Gerken, Sébastien Maloberti, Navid Nuur, Delphine Reist, Ariel Schlesinger. Voir les photos de l'exposition. English Version

Mains d'Œuvres invite In extenso à présenter la part des choses, un projet comprenant cinq expositions dont les deux premières ont été présentées à Nantes et Clermont-Ferrand.
DAVID BEATTIE
THOMAS BERNARDET
HERVÉ BRÉHIER
MATT CALDERWOOD
MARC GENEIX
INGO GERKEN
SÉBASTIEN MALOBERTI
NAVID NUUR
DELPHINE REIST
ARIEL SCHLESINGER
UNE PROPOSITION D'IN EXTENSO
 
Évacuant délibérément toute forme de représentation, La part des choses / épisode # 3 (Still life) rassemble sculptures, installations (prototypes ?), qui ont en commun un refus apparent du discours et laissent le champ libre à de multiples interprétations.
Les oeuvres présentées sont à la fois constitutives du monde qui nous entoure, (par l'utilisation des matériaux tirés de notre environnement quotidien : un cendrier, des sacs de ciment...) et pourtant déplacées, tirées d'un contexte à un autre dont la poésie résiderait dans la fuite du sens, la transcendance de l'utile. Si certains des artistes présentés usent parfois dans leur travail d'une réelle entreprise de transformation plastique, la mise en oeuvre des pièces montrées fait appel à des moyens simples, rudimentaires, nous ramenant à la périphérie du ready-made auquel on aurait ajouté ou retiré un peu. Ces systèmes presque autonomes semblent finalement chercher leur propre degré de réalité, et par la même, interroger le notre.

David Beattie

David Beattie crée des sculptures et installations qui sont autant de tentatives d'appréhensions de certains phénomènes naturels. À travers ses expérimentations et des références significatives aux grandes découvertes scientifiques de l'histoire, il montre à quel point le langage scientifique a évolué en fonction de nos tentatives de compréhension de l'existence humaine.
La nature expérimentale de ses oeuvres, l'apprentissage par le faire, sont des aspects importants de sa pratique. Lorsqu'il investit l'aspect physique des choses au travers de l'utilisation d'objets élémentaires et d'une esthéti- que lo-fi, Beattie conserve le sens de l'excitation et de la découverte aussi bien pour lui-même que pour le visiteur. Les manipulations sculpturales de David Beattie gardent un aspect minimal. L'utilisation du mouvement, de l'image, du son, et de phénomènes physiques contribuent à créer d'improbables rapprochements. En ce sens, il associe des matériaux aussi bien qu'il crée des liens entre des objets a priori très différents les uns des autres. Ces entités restent autonomes dans leur économie formelle. Jouant d'une large gamme d'objets trouvés, ses oeuvres peuvent incorporer des éléments très différents, d'un moteur électrique à un tambourin pour enfant. Très ingé- nieux dans la décontextualisation qu'il fait des objets et technologies du quotidien, il peut alors les reformuler dans d'uniques créations. (Source : Butler Gallery, 2009)
David Beattie est né en 1976. Il vit et travaille à Dublin. Il expose actuellement au Mercer Union Centre for Contemporary Art, Toronto, Canada (The Weight of the Sky : 19 mars/ 1er Mai ). Il participe également à l'ex- positon collective "GESTURES : An Exhibition of Small Site-Specific Works" au musée The Mattress Factory (du 8 mai au 20 juin).
Plus d'informations :http://www.david-beattie.net/

Thomas Bernardet

Parmi le réel, ce fond commun de signes et de choses qui nous entourent, Thomas Bernardet extrait de l'or- dinaire ce qui peut devenir par la suite un point de vue particulier. Cette vision personnelle s'inscrit dans la multitude de ses influences culturelles. Son " regard " saisit ce que tous les " regards " peuvent voir. Cela peut-être un simple fait d'actualité, " une maison à 100 000 euros " ou de l'ordre de l'emprunt, à l'histoire de l'art par exemple.
Thomas Bernardet prélève donc du réel ce qui attire son attention (une phrase, un objet, un slogan, une situation, un lieu) et le laisse murir sous forme de " documents de travail " (des photographies, croquis, notes variées). Parmi ce qui est intuitivement collecté, certains " documents " vont avec le temps plus particulièrement se " révéler " comme on le dit en photographique et faire apparaître " le reflet d'une conscience à laquelle on ne prêtait pas attention " . Thomas Bernardet peut alors réinvestir cette chose collectée et recomposer en quelque sorte son génome, retrouver sa gravité, ce qui lui donne un poids, une signification. Le résultat est assez troublant car la limite n'est pas franche entre le simple document et l'oeuvre. Cette limite est même plutôt poreuse, ce qui invite le spectateur à faire son propre cheminement. Le spectateur doit en effet délier de nombreux enjeux ; le statu de l'oeuvre, notre rapport au réel, la part de toute représentation collective, la part de toute projection personnelle. Comprendre que c'est au coeur de cette " démarche " que se situe la pratique artistique de Thomas Bernardet, c'est rencontrer toute la richesse et la qualité de ce travail.
(Source : Martial Deflacieux, 2009)

Hervé Bréhier

Hervé Bréhier construit, classe, ordonne, bâtit. Il déplace la signification et l'usage des lieux dans lesquels il intervient. Pour ses installations, il utilise des matériaux appartenant au monde du bâtiment : laine de verre, mousse polyuréthane, polystyrène, panneaux de portes, tuyaux de plomberie, plâtre, etc. Ses assemblages se font au moyen de serre-joints, pinces, boulons, sangles, tendeurs, qui mettent en évidence les zones de compression. Ces éléments entreprennent un rapport de connivence avec l'architecture.
Ces projets en trois dimensions dialoguent avec un travail de vidéo prenant la forme d'enregistrements captant de manière neutre et toujours en plan fixe une action ou un phénomène naturel. Avec une grande économie de moyens et avec simplicité, l'oeuvre d'Hervé Bréhier déploie un univers où l'ironie et l'absurde côtoient la légèreté et la grâce. (source : ESACC, 2008)
Hervé Bréhier est né en 1969. Il vit et travaille à Saint-Ouen.

Matt Calderwood

Quand il ne se met pas en danger dans de périlleuses performances, Matt Calderwood construit des sculptures instables dont l'équilibre ne tiennent qu'aux contrepoids qui les stabilisent. Les sculptures, autant que les performances, requièrent une maîtrise parfaite de la part de l'artiste, et paradoxalement, un combat entre ce dernier et la nature des objets qu'il utilise, le plus souvent des objets du quotidien.
(Source : Jessica Lack, guardian.co.uk, 2009)
Matt Calderwood est né en 1975 en Irlande. Il vit et travaille à Londres. Il prépare actuellement une exposition à la galerie Maria Stenfors à Londres (juin 2010).

Marc Geneix

Marc Geneix use du palimpseste comme un mode d'investigation d'un réel contemporain. Son travail résulte et s'alimente notamment par une captation de signes issus du réservoir médiatique et culturel du monde présent. Il procède de l'enchevêtrement de micro-récits dans l'entrecroisement de différents process plastiques tels que le dessin, l'installation ou la vidéo. Brassant des codes provenant de la culture populaire, [...] l'artiste se plaît à mixer des iconographies et des récits en interrogeant la notion d'une mythologie passée, encore en jeu, ou déjà en train de s'effectuer. Suivant les contractions temporelles des instances de notre société de l'information, Marc Geneix procède par des glissements qui deviennent autant de manières d'incursions, de mises en réseaux et d'entrées multiples à une tentative d'inscription ou d'appréhension du monde. (Source : Frédéric Emprou, 2007)
Marc Geneix est né en 1975 en France. Il vit et travaille à Clermont-Ferrand.

Ingo Gerken

Avec Eléments d'air, Ingo Gerken produit une « situation autonome ». Ce système, qui prend la forme d'étagè- res métalliques sur lesquelles sont posées des bombes aérosol, réorganise l'espace d'exposition en différentes lignes et strates. Sur chaque plan faisant face aux sprays ( murs, piliers, rayons) des impacts colorés se dessi- nent. Créant de façon arbitraire des liens avec l'architecture, ils soulignent l'interdépendance de l'œuvre avec le lieux qui l'accueille. (Source : 20qmberlin.com, 2008)
Ingo Gerken est né en 1971 en Allemagne. Il vit et travaille à Berlin. Il participe actuellement à l'exposition "City is Forever, Not Me" à la Stephen Lawrence Gallery de Londres (curator : Oliver Zwink) et et à l'exposition "White Night" à la Markus Winter Gallery de Berlin (Curator : Marco Antonini).

Sébastien Maloberti

Reprenant clichés et concepts tels que les flux, les machineries, une certaine abstraction de la nature, Sébastien Maloberti développe des récits bâtards mettant en oeuvre l'investigation d'un réel qui se cherche ou qui s'échappe. Un défaussement ou la tentative de rendre compte d'une certaine contingence des choses par des jeux entre territoires intérieurs et supports de projections. (Frédéric Emprou, 2007)
Sébastien Maloberti est né en 1976. Il vit et travaille à Clermond-Ferrand. Il participe actuellement à l'exposi- tion "Atelier / soft Machine " au LUK à Budapest du 29 mars au 22 mai. Il participe également à l'exposition "Workshop" du 25 mai au 15 juin au centre Nicolas Pomel, Issoire.

Navid Nuur

Navid Nuur emploie le néologisme « interimodules » pour parler de ses travaux, plutôt que « sculptures » ou « installation »... Pour lui, ces derniers sont trop rigides pour évoquer le lien spatio-temporel qu'il désire créer avec le « regardeur ». De la même façon, Nuur rejette le terme site spécifique, souvent utilisé pour décrire son travail. Il préfère « interimodules » pour définir un territoire intermédiaire.
« Module » pour sa façon de penser et de conceptualiser, « interim » pour se rapporter à un espace et à une période délimitée, mettant en évidence la part du processus dans son travail ; un processus constitué de règles, de protocoles mais dans lequel l'intuition est également un facteur décisif. (Source : fridericianum- kassel.de)
David Nuur est né en 1976 à Teheran. Il vit et travaille à La Haye. Il expose actuellement au Frans Halls Mu- sem à Haarlem (The value of void : 20 mars- 6 juin). Il participe à l'exposition History of art à la Fondation David Roberts à Londres du 6 mai au 19 juin.

Delphine Reist

Delphine Reist a souvent investi les friches et des bâtiments industriels désaffectés. C'est l'absence de ces lieux émotionnellement chargés qui l'intéresse et c'est cette absence que les œuvres et objets se font l'écho. Outils et objets au service de la production, les éléments qui peuplent le travail de Delphine Reist semblent en effet avoir conquis, dans la solitude des lieux, une existence autonome. Dès lors une sorte de corps so- cial s'y donne à lire dont on ne saurait dire s'il s'agit de celui, fantomatique, de leurs utilisateurs passés, ou plutôt celui nouvellement constitué par ces engins mêmes. Caddies qui s'animent seuls dans des parkings, boîtes de caoutchouc qui scandent des rythmes en ronde, lavabos d'internat qui s'emplissent curieusement de lait... L'atmosphère est celle des lieux collectifs sans chaleur, les moteurs sont bruyants et hors contrôle, les liquides sont visqueux et odorants. Une existence se déroule, laissant le visiteur à son incapacité à agir. Au-delà de la poésie des mécaniques en mouvement, le travail de Delphine Reist revêt une dimension mili- tante manifeste, en donnant à lire les funestes revers de la vie contemporaine. (Source : fri-art.ch)
Delphine Reist est née en 1970 en Suisse. Elle vit et travaille à Berlin. Elle participe actuellement à l'expo- sition "Portrait de l'artiste en motocycliste" au musée des beaux-arts La chaux-de-fonds en Suisse du 21 mars au 12 septembre 2010. Elle prépare également une exposition personnelle à la galerie Galerie Lange + Pult à Zürich.

Ariel Schlesinger

Dans le travail d'Ariel Schlesinger, le contraste est saisissant, entre la pauvreté des matériaux qu'il utlise (sou- vent récupérés) et la forme finale qu'il leur donne. Une telle transformation s'apparente presque à un tour de magie ; mais ici, aucun secret bien gardé : les « trucs » sont souvent simples, et généralement dévoilés dès le premier regard. Ses oeuvres sont des manifestations presque instantanées de son rapport aux « choses ». Il sélectionne, récolte et agit comme un catalyseur sur ce que l'on considère en général comme inerte et sans vie. Dans une tentative salutaire de réanimation, le travail de l'artiste tourne alors à la confrontation avec le vide, avec pour seules armes humour et ingéniosité. (Source : Gregor Podnar Gallery , 2009)
Ariel Schlesinger est né en 1980 en Israel. Il vit et travaille à Berlin. Il particpe actuellement à l'exposition "I'm Not Here. An Exhibition Without Francis Alÿs"au centre d'art De Appel à Amsterdam et à l'exposition "'Magic Show"à la Hayward Gallery de Londres (Curator : Sally O ́Reilly).

In Extenso*

est une association peu orthodoxe qui multiplie les champs d'intervention dans le but de promouvoir et soutenir la création contemporaine avec une liberté d'esprit peu commune. Fondée en 2002 par Marc Geneix et Sébastien Maloberti, elle est actuellement présidée par Céline Ahond et dirigée par Martial Déflacieux. In Extenso a entre autre chose présenté la première performance de Jonathan Meese en France, produit l'œuvre intitulée O'BLACK (ATELIER CLANDESTIN) de Malachi Farrell exposée lors de l'exposition DIONYSIAC au Centre George Pompidou. Plus récemment In Extenso a exposé pour la première fois en France des artistes tels que David Beattie et Christoph Meier. L'ensemble de sa programmation est disponible sur www.inextensoasso.com
In extenso 12 rue de la coifferie 63000 Clermont-Ferrand
0981842652

L'exposition a été co-produite par Mains d'Oeuvres et In Extenso.


Dossier La part des Choses


English version

Swing

Isabelle — 2009-11-05T13:18:00Z

Exposition collective
Les deux couples d'artistes résidents partagent un intérêt pour le détournement du quotidien et le recyclage des nouvelles technologies. Après un premier épisode à Marseille en novembre, les artistes se retrouvent à Saint-Ouen où de nouvelles oeuvres sont produites.
English Version, click here

Ivan Argote et Pauline Bastard se connaissent par coeur et rêvent de renouveau dans leur pratique, Roberto Verde et Géraldine Py cherchent l'exotisme et l'aventure.

Swing est un projet initié conjointement par Astérides (Marseille) et Mains d'Œuvres (Saint-Ouen). Les deux structures se sont rapprochées afin de mettre en commun sur le temps d'une proposition en deux volets, des préoccupations qu'elles partagent quant au soutien et à la diffusion du travail d'artistes émergents. Deux expositions sont produites : l'une à Marseille en novembre 2009, puis l'autre à Saint- Ouen en février 2010.

Ivan Argote, Hiss, installation, 2009

Ivan Argote

Un peu d'humilité et beaucoup d'humour : voilà ce qui caractérise l'art d'Ivan Argote. Jeune colombien établi en France depuis trois ans, formé d'abord au graphisme, il multiplie aujourd'hui les performances absurdes, avec la ville comme théâtre des opérations. Son coup d'éclat ? Avoir tagué les deux Mondrian (sous vitre) du centre Pompidou. Allègre parasite de l'espace public, vandale de petit chemin, ce jeune homme formé par Claude Closky et Guillaume Paris à l'Ensba a aussi tenté de distribuer des pièces jaunes dans le métro (personne n'en a voulu), transformé un simple trajet en making of (durant lequel, irrésistible, il « dirige » la foule comme un acteur consentant, de « Action ! » au « Coupez ! » final) ou réalisé une série de photographies où il mime les visages des mannequins qui trônent sur les publicités dans la rue. Bref, il profite de la moindre faille dans notre quotidien pour tenter de faire sens, un micro-sens. En informatique aussi, il cherche à faire dérailler doucement les systèmes et les routines. Il s'avère ainsi habile à créer des logiciels absurdes : celui qui transforme les chiffres d'une horloge en leur équivalent en euros (aboutissant à des « il est dix euros et 25 centimes ») ; celui qui transforme en bulles graphiques les performances des artistes best-sellers, en fonction de leur recette de l'année ; ou encore celui qui mêle tous les fuseaux horaires du monde dans un même décompte, en les reliant à des bleds paumés. Qu'il pirate des blogs de touristes ou qu'il se fabrique de fausses lunettes qui ont l'air de gribouillages pour jouer dans les photomatons, qu'il place un piège à humain dans un terrain vague de Berlin ou qu'il fasse tourner une mappemonde au milieu des poulets dans une rôtisserie de Bogota, il rappelle dans son attention un brin stupide au réel les Actions-peu par lesquelles avait commencé Boris Achour, ou les interventions urbaines d'un Didier Courbot. Mais il y met plus de légèreté, et ce sens quotidien du surréalisme dans lequel excellent les latino-américains. Emmanuelle Lequeux

Ivan Argote est né en 1983 à Bogota. Diplômé de l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris en 2009, il vit et travaille à Paris. Il a participé récemment actuellement à l'exposition Drr à la Störk Galerie (Rouen) et à une exposition collective à la galerie Emmanuel Perrotin - Miami.

Pauline Bastard, Jungle studio, installation, 2009

Pauline Bastard

Les enjeux radicaux du travail de Pauline Bastard s'articulent autour des contraintes matérielles du quotidien. Elle crée des œuvres aussi éphémères que puissantes, facilement identifiables, qui ressuscitent les choses familières et dépassent les frontières des genres avec un humour d'une grande originalité. Ses pièces se situent dans un espace interstitiel, entre la vie et sa représentation ; elles engendrent d'étranges rencontres et permettent de redécouvrir la simplicité du quotidien. Réalisées à partir des déchets dépourvus de valeur aux yeux de la société de consommation, ses petites sculptures se déplacent, tournent ou lancent de l'eau et viennent discrètement investir notre espace. Seuls les moteurs cachés diffusent un son mécanique et monotone qui renforce la timide présence de ces objets ordinaires, qui endossent alors un rôle aussi nouveau que surprenant. Ces interventions, ces recyclages de l'environnement et ces constructions inutiles remettent en question la hiérarchie et détournent les valeurs traditionnelles de l'art et, dans un champ plus large, de la vie. L'utilisation de matériaux pauvres, affranchis de toute valeur économique, révèle la dimension humaniste de ces pièces, qui traitent de la réalité de manière décalée. Les derniers projets de Pauline Bastard détournent l'iconographie du monde informatique que nous côtoyons quotidiennement sans que nous en ayons toujours conscience. En manipulant diverses applications, l'artiste compose avec les outils numériques de véritables petites saynètes. Dans ses vidéos, l'artiste réactive des fonds d'écran populaires pour repenser les notions de paysage et d'image en général, souvent remplacées par des schémas qui dissimulent leur véritable nature. Ce travail interroge le concept du tableau traditionnel en fixant une part de réalité encadrée et en y introduisant la notion du temps avec des souvenirs intimes, présentés sous forme de monologues. Dans ce moment suspendu de l'image idéale, les voix humaines viennent questionner les représentations traditionnelles. La série dans laquelle Pauline Bastard utilise le cercle multicolore en rotation - l'équivalent Mac du sablier de Windows – constitue une parodie de l'instant fatidique où l'écran s'immobilise. L'apparition de ce petit arc-en-ciel sphérique nous plonge généralement dans une frustration mêlée d'unsentiment d'incompétence. Le symbole du bogue roule sur la crête des montagnes ou se voit transposé sur le soleil couchant d'une photographie romantique : le nouveau langage international est ici mis en scène dans un burlesque virtuel empruntant des fragments du quotidien qui, sous une apparence débonnaire, n'obéissent qu'aux seules exigences de l'artiste. Sári Stenczer

Pauline Bastard est née en 1982 à Rouen. Diplômée de l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris en 2009, elle vit et travaille à Paris. Elle a exposé récemment à blank (Paris) avec Roman Signer et participé à l'exposition Drr à la Störk Galerie (Rouen).

Géraldine Py et Roberto Verde, Jeux dans l'eau, 2009

Géraldine Py et Roberto Verde

Fascinés par le réel, Géraldine Py et Roberto Verde le conquièrent, le détournent, le décalent, le bricolent. Une ville s'active à la première pluie (Cartonville, 2009), une pelleteuse et un chargeur s'adonnent à des jeux enfantins et boueux (Jeux dans l'eau, 2009), des octodons deviennent musiciens (Allegro Moderato Ma Non Troppo, 2008). Tels des metteurs en scène, les artistes organisent des univers et convoquent des protagonistes pour des représentations inattendues. Simplement, ils inventent des fables, en suscitant des interactions entre des éléments de genre différent. Le caractère de l'acte qui en découle, qui pourrait être qualifié d'un terme unique tant il se révèle de manière évidente (le peu, l'improductif, l'enthousiasme, l'approximation, l'émerveillement, etc.), amorce par ailleurs un cheminement de pensée vers des perspectives plus vastes. Les œuvres de Géraldine Py et Roberto Verde font appel à des champs de confrontation au réel comme la philosophie, la littérature, la musique, le cinéma, la science ou l'économie, pointant des notions universelles que les deux artistes s'amusent à teinter subtilement, au gré des pièces, de grotesque, de fantaisie, de tendresse. Le printemps (2009) est constitué de deux morceaux de tuyaux, l'un en mouvement l'autre inerte, qui se rapprochent et se cherchent. Dans Edredons (2009), ce sont des coussins qui s'entrechoquent violemment et perdent leurs plumes. Avec humour et dérision, les événements que créent ces rencontres sont élémentaires et souvent improbables. Un seau essaie de cracher dans l'autre, sans jamais atteindre son but : le seau reste vide, une flaque se forme au sol (Seaux, 2007). Un petit pois s'envole et reste en suspension (La lévitation du petit pois (hommage à Roberto Verde), 2009). Une plaque de métal s'actionne dans un mouvement de bas en haut, produisant un immense vacarme lorsqu'elle vient se blottir contre le sol (Etendue de métal, 2009). Plus discrètement et sans bruit, les petits objets traînant dans l'atelier (ampoules, bouchons, cadenas, etc.) se rencontrent et s'allient (Fils de bave, 2009). Géraldine Py et Roberto Verde utilisent l'appropriation, le détournement, la mise en action, pour produire des œuvres qui se déploient dans un environnement et une temporalité qui leur sont propres. À l'image du cadre associé au théâtre classique, elles concentrent dans leur structure les unités de temps, d'espace et d'action. Le mouvement s'y ajoute, celui qui tend à aller vers l'autre que soi, vers un interlocuteur consentant ; parfois pas. Il crée un lien entre les éléments (organismes vivants, objets statiques) en cela soutenu par le son qu'il produit. Issue de forces naturelles (eau, air), mécaniques, de dispositifs technologiques, la dynamique qui habite les joyeuses agrégations de Géraldine Py et Roberto Verde est à la fois performative et théâtrale. Les artistes usent des atours de ces domaines d'expérimentation pour proposer un regard, décalé et poétique, constamment renouvelé, sur la réalité. Nadine Maurice et Mathilde Guyon

Géraldine Py est née en 1986 à Belfort. Roberto Verde est né en 1981 à Jesi (Italie). Diplômés de l'École supérieure des beaux-arts de Marseille en 2009 et 2008, ils vivent et travaillent à Marseille. Géraldine Py présente une série de vidéos dans le cadre de l'exposition Poétique du chantier au Musée-Château d'Annecy. Roberto Verde a présenté récemment Vases communiquants à la Fondation Ecureuil, Marseille et dans le cadre de Artissima à la Chambre de commerce et d'industrie, Marseille

blown up ! à la recherche des élèves de Deleuze

Isabelle — 2009-10-22T11:01:47Z

Exposition- évènement
de Silvia Maglioni & Graeme Thomson avec la participation de Pascale Criton, Charlie Jeffery, Mille Plateaux Associés, Jochen Dehn, Otolith group, Anne Sauvagnargues, Brian Holmes, Daniel Deshays, Anne Querrien, Maxime Thieffine, Bruno Jouhet & Cecile Duval, Société Réaliste, Jalal Toufic, Dork Zabunyan...
English version, click here

blown Up ! est une exposition conçue comme une cartographie d'une enquête à la fois philosophique, cinématographique et relationnelle. Silvia Maglioni & Graeme Thomson ont exploré des archives vidéo des années 70 pour retrouver des participants aux cours de Gilles Deleuze à l'université de Vincennes, démolie en 1980, afin de créer leur film "Facs of Life". Dans une mise en scène d'archives, rushes, conversations, photos, textes, blown up ! invite les personnages du film et des philosophes, cinéastes, musiciens, artistes, enseignants et toute autre personne interpellée par le projet, à habiter ces espaces potentiels. Dans la rencontre singulière avec l'espace et les événements, programmés ou inattendus, chacun peut devenir élève de Deleuze. Une salle de classe vivante qui exhorte : faites rhizome et pas racine !

LA SALLE DE CLASSE D'AUTONOMIE TEMPORAIRE
Emploi du temps autour des 8 plateaux (inarchivé, visagéité, inclination, échelles/intervalles, bords, epuissance, promenade, falaise) : concerts, performances, conférences, rencontres, projections, ateliers avec la participation de Pascale Criton, Charlie Jeffery, Mille Plateaux Associés, Jochen Dehn, Otolith group, Anne Sauvagnargues, Brian Holmes, Daniel Deshays, Anne Querrien, Maxime Thieffine, Bruno Jouhet & Cecile Duval, Marie Preston, Société Réaliste, Jalal Toufic, Dork Zabunyan...

Suivez les événements de blown up ! sur Radio Campus

Programme des détonations :
Dimanche 29 novembre 2009
ouverture à partir de midi autour d'un repas partagé suivi d'un programme avec : Mille Plateaux Associés ; Thomas Hirschhorn (Deleuze Monument) ; Jean-Jacques Lebel (Monument à Félix Guattari) ; Jochen Dehn, Pascale Criton ; Daniel Deshays ; Dork Zabunyan ; Anne Querrien , Brian Holmes, Anne Sauvagnargues ; Nicolas Gerber ; Généviève Schwoebel & Les Femmes Assises.

Samedi 5 Décembre 2009
à partir de 16H
Anouck Durand-Gasselin ; Julien Bancilhon ; Bruno Jouhet & Cecile Duval ; Seijiro Murayama ; Le peuple qui manque & Violeta Salvatierra (Min Tanaka à la Borde) ; Olivier Apprill ; Yolande Finkelsztajn

Mercredi 9 décembre 2009
de 15H à 18H
Atelier "La voix de Deleuze " animé par Marielle Burkhalter, vidéaste, documentariste et maître de conférences au département de philosophie de Paris 8 Participation au travail de longue haleine des transcriptions des cours de Deleuze sur le cinéma de 1981 à 1985 pour le site communautaire www.univ-paris8.fr/deleuze/. C'est aussi un temps pour parler de la voix de Deleuze. merci de vous inscrire à l'avance pour cet atelier auprès de Vanessa Foray 01 40 11 25 25

Vendredi 11 décembre 2009
de 14 à 17h
Atelier de recherche “Au-delà de l'image temps” dans le cadre du Festival des Cinémas Différents de Paris, vendredi 11 décembre de 14 h à 17h ; Projection de FACS OF LIFE au cinéma La Clef à 21h30 Voir le programme complet du Festival des cinémas différents de Paris

Samedi 12 décembre 2009
de 14 à 16h
Le raccordement (Paris-Saint Ouen) : Ballade avec Marie Preston

Dimanche 13 Décembre 2009
à partir de midi : finissage
Jalal Toufic (Saving Face) ; Société réaliste ; Ali Akay ; Otolith group (Otolith I) ; Benjamin Thigpen ; Robert Albouker ; Manon De Boer (Resonating Surfaces) ; folksonomy ; Terminal beach.

La salle de classe est conçue par THE MUD OFFICE (Charlie Jeffery, Dan Robinson)

Commisariat : Isabelle Le Normand

CETTE EXPOSITION EST RÉALISÉE DANS LE CADRE DES 40 ANS DE PARIS VIII- VINCENNES-SAINT-DENIS ET A REÇU LE SOUTIEN DU CONSEIL GÉNÉRAL DE SEINE-SAINT-DENIS.

APPEL À PARTICIPATION

blown up ! est un 'eventwork' qui tourne autour de deux axes :

axe # 1 : l'exposition/redistribution du film Facs of Life, une enquête cinématographique à la recherche des élèves de Gilles Deleuze à Vincennes et de ce qui reste de cette expérience dans leurs pratiques de vie quotidienne ; axe # 2 : l'installation/construction d'un espace pédagogique expérimental, une salle de classe d'autonomie temporaire où l'organisation, les temporalités et les buts de la 'formation' sont interrogés.

Du 29 novembre au 13 décembre, l'espace restera 'ouvert' pour qui veut l'utiliser (enseignants, professeurs, artistes), en deplaçant et exposant ses propres activités/cours/work in progress à Mains d'Œuvres.

Contact : Vanessa Foray vanessa@mainsdoeuvres.org 01 40 11 25 25

blown up ! is an eventwork, mapping an investigation at once philosophical, cinematic and relational. In a manner similar to Antonioni's film Blow-Up which follows a photographer's quest to locate a body in a London park from a blow-up of a snapshot he has taken, Silvia Maglioni & Graeme Thomson explored 1970s video footage of Gilles Deleuze's courses at the University of Vincennes to locate participants in the seminar who then became collaborators in their film, Facs of Life. But blown up ! equally derives from an explosion, recomposing scattered shards of a political moment, a research process, a corpus of images, voices and concepts, within the framework of “a temporary autonomous classroom” that exhorts us to “make rhizomes, not roots, never plant ! Don't sow grow offshoots ! Don't be one or multiple, be multiplicities. Run lines, never plot a point !”

blown up ! is an eventwork turning around two axes : 1. the exhibition/redistribution of elements of the film Facs of Life, a cinematic quest to find students of Deleuze at Vincennes and to uncover traces of the experience in their life practices. 2. the installation/construction of a space for experimental pedagogy, a temporary autonomous classroom for creative questioning of the organization, temporalities and aims of formal education. Between four intense moments of multiple interdisciplinary encounters (Nov. 29, Dec. 5, 11,13) the space will remain ‘open' for whoever (teachers, researchers, artists) wishes to use it by displacing and exhibiting their activities, courses or ongoing projects to Mains d'Oeuvres, leaving a trace, tracing a trajectory of work or research on its potential blackboard.

Contact : Vanessa Foray vanessa@mainsdoeuvres.org +33 1 40 11 25 25

23'17''

Blandine Paploray — 2009-08-28T11:32:48Z

Exposition sonore
Vingt-trois minutes dix-sept (23'17'') est une exposition conçue comme une partition se déroulant dans le temps avec Dominique Blais, Pascal Broccolichi, Dominique Petitgand et Jérôme Poret.
English version

Dominique Blais, Pascal Broccolichi, Dominique Petitgand et Jérôme Poret
Commissariat : Isabelle Le Normand assistée d'Annabel Rioux

Vingt-trois minutes dix-sept (23'17'') est une exposition conçue comme une partition se déroulant dans le temps. Dominique Blais, Pascal Broccolichi, Dominique Petitgand et Jérôme Poret partageaient depuis quelques années le désir de réfléchir ensemble aux formes possibles d'une exposition collective d'installations sonores. Leurs propositions explorent les conditions d'une écoute et partageront le même espace. Les œuvres produites à cette occasion témoigneront d'une préoccupation commune aux artistes : la façon dont le son peut transformer notre perception de l'espace et du temps, selon sa nature et sa source physique. Ainsi, chaque oeuvre initiera un rapport spécifique au lieu, que l'on pourra percevoir distinctement grâce à l'enchaînement des pièces sonores, diffusées successivement afin d'échapper à la cacophonie. Invité à déambuler entre les oeuvres pendant l'écoute tout en devant s'adapter au rythme de chaque séquence, le visiteur sera confronté à la question de sa position d'auditeur-spectateur. La présentation conjointe des oeuvres dans l'espace, assortie de leur diffusion non simultanée, sera propice à l'apparition de combinaisons singulières, puisque chaque installation sonore, tout en disposant seule de l'ensemble du lieu, se juxtaposera temporairement aux composantes visuelles des autres.

LES ARTISTES PRESENTENT 23'17''

Voir la vidéo de l'exposition

• Dominique Blais présente une installation issue de son projet pour la résidence Arts aux Pôles à Ny-Alesund (Svalbard, Norvège). Lors de l'été 2008, il fut accueilli sur la base franco-allemande (AWIPEV) de ce village scientifique considéré comme la localité la plus au Nord de la planète, pour y réaliser des enregistrements de fréquences VLF (Very Low Frequencies). Les échantillons récoltés seront diffusés par une constellation d'enceintes sphériques occupant le plafond.

• L'oeuvre de Pascal Broccolichi est en relation directe avec l'architecture de Mains d'Œuvres. C'est un dispositif au sol qui permet d'appréhender l'espace d'exposition par un jeu de fréquence continu qui créent des harmoniques complexes.

• Dominique Petitgand propose une installation articulant le coude d'entrée du lieu et son espace principal, grâce à cinq sources sonores émettant des fragments de voix qui, ensemble, feront émerger un récit.

• Jérôme Poret occupe l'un des murs avec un objet hybride, entre écran, tableau et enceinte audio, mis en tension par un crescendo sonore et lumineux. réalisé à partir de « captation sonore » de l'activité de Mains d'Œuvres.

EVENEMENTS AUTOUR DE L'EXPOSITION, cliquez ici

L'exposition a été réalisée avec l'aide de Kerwin Rolland

Kerwin Rolland a travaillé au sein de la Médecine des Armées françaises, comme chercheur en ergonomie des vibrations, puis à PSA (Peugeot Citroën) en tant que responsable technique d'étude de vibration et acoustique d'habitacle automobile. Il se trouve alors à la croisée de pratiques techniques, sensibles, médicales et psycho- logiques, sur des projets traitant aussi bien du mal de mer que des armes sonores. Il est aujourd'hui ingénieur, designer, acousticien, et créateur sonore. Il travaille notamment avec Vanessa Le Mat, chorégraphe issue de la Forsythe Company (How Many Miles, 2006 et 2008), Boris Nordmann , plasticien diplômé du Fresnoy (Couchette #03, 2007), l'atelier d'architecture Archi5 (Fuites de vues, 2007), Nicolas Maigret du laboratoire Locus Sonus (House Mix, 2007), Maya Boquet, Gilles Ruard et Clyde Chabot (Mme Felletin, La nuit je filme les papillons, 2006 et 2008), Bérenger Recoules, spécialiste des sciences cognitives (Résidence Appelboom 2008), Malte Martin (Nuit Blanche, Paris, 2008), Julien Prévieux (Théâtre Clandestin, Anglet, 2009), et Joris Lacoste, Frédéric Danos, Grégory Castera et Emmanuelle Lafon (performance Parlement, 2009). Il assure des activités de conception et conseil technico-artistique auprès du Musée du Quai Blanly, et du centre d'art Khiasma aux Lilas.Expert en vibrations mécaniques solidiennes et en traitement des basses fréquences dans les transports et les environnements publics, il assure des fonctions de conseiller en psycho-acoustique et étude sensible de la perception sonore pour des projets d'urbanisme en cours.

Dominique Blais
Ny-Alesund (photographies prises lors de sa résidence à Ny-Alesund, en Norvège), 2009

Pascal Broccolichi
Loop 2007-2009
Dispositif sonore, dimensions 80 x 250 x 250 cm
Anneau et ressort métalliques laqués blanc, système de diffusion équipé de 4 vibreurs basses fréquences, 4 haut-parleurs coaxiaux, lecteur cd, amplificateur, 2 caissons de compression en contreplaqué blanc.
Croquis de projet, technique numérique 3D
Collection du Nouveau Musée National de Monaco

Dominique Petitgand
Quelqu'un est tombé, installation sonore pour 6 haut-parleurs
1993 / 2009, Vue partielle de l'exposition Quelqu'un est tombé, Abbaye de Maubuisson, Saint-Ouen-l'Aumône,2009. © photo Catherine Brossais - Conseil général du Val d'Oise

Jérôme Poret
Skilled labour (maquette réalisée par Pierre-Henri Ramboz), 2009

TELECHARGEZ LE DOSSIER DE PRESENTATION :


Dossier de 23'17''


English_version

En partenariat avec :

Exhibition September4 th – October 25th 2009 Opening reception Friday, September 4th > 8 PM – Midnight The exhibition is open from Thursday to Sunday from 2 to 7 PM and on appointment. Free entrance.

23'17'' was born out of the collective reflection of Dominique Blais, Pascal Broccolichi, Dominique Petitgand and Jérôme Poret, four artists working with sound. Each of these artists will be using the exhibition space at Mains d'Œuvres to propose a new creation, each of which is conceived with the specificity of this space in mind. The works produced for this occasion will bear witness to an interest that these artists have in common : the way that sound, depending on its nature and physical source, can transform differently our perception of space and time. To this end, each work will establish a unique relationship with the exposition space, revealing itself distinctly as part of a succession of acoustic compositions, broadcast one after another so as to avoid mutual interference. Invited to wander among the pieces as he listens, adapting himself to the rhythm of each sequence, the viewer will have to directly engage his role as listener-spectator.

*Dominique Blais will present an installation that originated in his project for the residence Arts aux Pôles at Ny-Ålesund (Svalbard, Norway). During the Summer of 2008, Blais was welcomed into the French-Gerrman base (AWIPEV) of this village—considered to be the northernmost habitation of the planet—to record Very Low Frequencies (VLF). Samples of these recordings will be emitted by a constellation of spherical speakers installed in the ceiling.

* Pascal Broccolichi's work engages directly with the architecture of Mains d'Œuvres. Placed on the floor it allows us to feel the exhibition space by a play of continuous frequencies creating complex harmonics. Following the same principle as in his previous works Sonotubes and Hyperprisme, Loop is built on specific acoustic rules..

* Dominique Petitgand will install his piece along the angle of the entryway and in the main exhibition space. Five sources of sound will emit voice fragments that will, together, compose a story.

*Jérôme Poret will install a hybrid object along one of the walls : a cross between a screen, a painting, and an audio speaker, backed by a crescendo of sound and light. This piece will use recordings of the daily activity at Mains d'Œuvres.

The coordinated presentation of these works in space, matched by their non-simultaneous broadcasting, will provide the occasion for remarkable combinations, as every sound installation, at the same time as it utilizes the exhibition space as a whole, will enter into temporary juxtapositions with the visual elements of the others.

Curator : Isabelle Le Normand with the help of Annabel Rioux

This exhibition received the support of the General Council of Seine-Saint-Denis

For your eyes only

Blandine Paploray — 2009-05-12T15:14:39Z

Exposition
La jeune scène anglaise débarque à Mains d'Œuvres avec une sélection inédite de films importés d'outre-Manche. Come, sit down and relax, c'est rien que pour vos yeux. English version, click here

FOR YOUR EYES ONLY est :
Une exposition à voir le temps d'un film
Un portrait de la jeune scène anglaise contemporaine
Une décennie de courts films de 2000 à 2009
Une salle d'exposition transformée en home cinema

Artistes : Sam Curtis, CutUp Collective, Michelle Deignan, Katie Davies, Ben Judd, Claire Hope, Heather Phillipson, Laure Prouvost...

Mains d'Œuvres consacre sa dernière exposition de la saison à l'image en mouvement. FOR YOUR EYES ONLY est une exposition à voir le temps d'un film. Placée sous le signe de la détente, cette petite heure de projection transporte ses spectateurs sur une île voisine, le Royaume-Uni. Pour l'occasion, la salle d'exposition se transforme en petit home cinéma convivial dont l'excursion sur le territoire britannique livre un aperçu de la scène anglaise contemporaine.

À travers une sélection de courts films réalisés entre 2000 et 2009, FOR YOUR EYES ONLY se faufile partout, sillonne les rues de Londres, traîne sur les quais de trains, part sur les chantiers de rénovation urbaine, fait du shopping à Harrods et arrache les panneaux d'affichage publicitaire. Pour cette mission d'investigation, les artistes sont partis sur le terrain mener les enquêtes les plus diverses. Parmi eux, Sam Curtis documente les arrangements baroques et excentriques des poissons et fruits de mer exposés sur les étalages du luxueux magasin londonien Harrods. Quant à Ben Judd, il a discrètement filmé les quais de train à la recherche des « trainspotters », une communauté de passionnés qui passe son temps dans les gares à guetter l'arrivée des trains. Parmi la dizaine d'artistes qui participeront à FOR YOUR EYES ONLY, la mission du CutUp Collective s'avère plus périlleuse. Ce collectif anonyme londonien pirate l'environnement urbain en décollant les affiches publicitaires qu'ils découpent en petits morceaux pour recomposer de nouvelles images surprenantes, recollées ensuite sur leurs panneaux d'origine.

Depuis les années 1990, un important réseau de production et de diffusion de films d'artistes s'est développé au Royaume-Uni. Avec une dizaine de productions par an, Film and video umbrella a produit d'importants projets de films pour des artistes comme Gillian Wearing, Daria Martin, Matthew Buckingham. Fondé en 2002, LUX est sans doute l'organisation la plus reconnue internationalement avec une collection de 4500 œuvres filmiques des années 1960 à aujourd'hui. Un an plus tard, en 2003, Tank magazine crée le site internet Tank.tv, une galerie en ligne qui produit environ huit expositions vidéo par an, toutes accessibles gratuitement sur leur site.

En juin, les Anglais envahissent le Réseau Nord. Mains d'Œuvres et la galerie Paul Frèches s'associent pour une saison consacrée à la jeune scène britannique. La galerie Paul Frèches présentera la première exposition personnelle en France de Nick Laessing : http://www.paulfreches.com

Vernissage commun le mardi 16 juin de 18h à 21h à la galerie Paul Frèches ; de 20h à minuit à Mains d'Œuvres

Ces deux expositions ont été proposées par Florence Ostende.

Critique et commissaire, Florence Ostende a notamment organisé les expositions « Retracing Exhibitions » (Royal College of Art, Londres, mars 2009), « Les Enfants du Sabbat 10 » (Creux de l'Enfer, Thiers, mars 2009) et « Argument de la Diagonale » (Bétonsalon, été 2008). Elle termine actuellement la formation Curating Contemporary Art au Royal College of Art de Londres et prépare avec Coline Milliard, critique d'art basée à Londres, Catalogue, un magazine d'art contemporain en ligne sur les scènes artistiques françaises et britanniques. Premier numéro disponible dès septembre 2009 sur www.cataloguemagazine.com

Claire Hope, Complex Financial Instruments (part 1), 2008

Laure Prouvost, Owt, 2007

légende du visuel de l'article :
Cut Up Collective, CutUp Film (2005), courtesy of the artist

Opération Tonnerre

Blandine Paploray — 2009-03-06T18:08:05Z

Exposition collective
Dans l'ombre de la force de l'art, les agents du Spectre préparent un coup gigantesque avec "Opération Tonnerre", une exposition explosive de "United Artists" avec une trentaine de jeunes artistes internationaux. English Version, click here

Céline Ahond & François-Thibaut Pencenat, Damien Airault, Constantin Alexandrakis, Fabienne Audéoud, Bad Beuys Entertainment, Fayçal Baghriche, Simon Boudvin, Aline Bouvy & John Gillis, Julien Chevy, Michel de Broin, Jean Denant, Pierre Fisher, Vincent Ganivet, KIT (Julie Béna, Daphné Navarre, Ève Pietruschi, Laurence Deleersnyder), Martin Le Chevallier, Jacques Lennep, Ma Leledy, Charles Lopez, Justin Meekel & Matthieu Cardi, Nicolas Milhé, Haroon Mirza, Nicolas Muller, Simon Nicaise, Alexandre Perigot, Émilie Perotto, Elisa Pône, Frédéric Pradeau, Julien Prévieux, Geoffroy Rondeau, Bojan Stojic, Julie Vayssière, Sergio Verastegui, Adrien Vescovi...
Une proposition de United Artists avec la complicité d'Hanna Alkema et Isabelle Le Normand

Vernissage le vendredi 17 avril de 18h à minuit
Visites guidées tous les dimanches à 15h

« Après avoir assommé une fausse veuve, il échappe à des tueurs grâce à un réacteur dorsal qui lui permet de s'envoler dans les airs. Prototype réel, cette fusée personnelle le propulse alors à quelques deux cent mètres d'altitude, avant que ne retentisse le générique de début entonné avec emphase par Tom Jones sur une partition puissante de John Barry... »

Le synopsis du film Opération Tonnerre réalisé par Terence Young en 1965 sert d'amorce retentissante à l'exposition éponyme qui prend ses quartiers à Mains d'Œuvres au printemps.
Piratant le film d'action, la trentaine d'artistes invités déploie pour l'Opération Tonnerre des explosions visuelles et sonores, des actions urbaines improbables, des cartographies mystérieuses et des installations à effets spéciaux. Les œuvres présentées explorent les mécanismes du spectaculaire, suivant une tendance low-tech. Sans renoncer à surprendre le spectateur, les artistes d'Opération Tonnerre préfèrent à une production blockbuster, des matériaux trouvés et transformés autant que des situations réelles décalées. Elisa Pône contraint les salves d'un feu d'artifice dans l'habitacle d'une voiture. Haroon Mirza ordonne une réaction en chaîne sonore et visuelle où eau et électricité manquent une rencontre fatale, pris entre diodes lumineuses, amplis et meubles vintage. Clins d'œil au film, l'intervention de Jean Denant fait émerger un planisphère du mur de béton de la salle d'exposition tandis que le logiciel interactif conçu par Martin Le Chevallier invite le visiteur à entrer dans la peau d'un séducteur flirtant avec des actrices aussi belles que célèbres de scènes de films mythiques. De fait, l'image cinématographique inspire, comme dans les clichés pris sur le vif de Marie-Aude Leledy qui compilent un répertoire d'impressions de déjà-vu, d'actions dissimulées où règne un esprit de conspiration. Déjà-vu également cette image idyllique d'Alexandre Perigot montrant une île thaïlandaise, lieu de tournage d'un James Bond, aujourd'hui envahi par les touristes. Si la fiction a servi de point de départ à la proposition, le réel phagocyté par le fictif est au cœur des préoccupations des artistes présentés à Mains d'Œuvres.

Opération Tonnerre fait suite à l'exposition United Artists présentée à la Galerie 10rd à Nice en décembre dernier. La société de production United Artists fut créé en 1919 par quatre acteurs et réalisateurs parmi les pionniers du cinéma hollywoodien (Charles Chaplin, Douglas Fairbanks, Mary Pickford et D.W. Griffith) désireux de reprendre les rênes de leurs productions exploitées à leurs dépens par les grands studios. Julien Chevy, Pierre Fisher, Vincent Ganivet et Marie-Aude Leledy, initiateurs de ce projet en trois volets, s'approprient avec malice la formule qui a présidé à l'inauguration de la société américaine : « Voici les fous qui prennent la direction de l'asile » !

Téléchargez le livret ci-dessous :


Livret Opération Tonnerre

Voir la vidéo de l'exposition :

Elisa Pône
I'm Looking for something to believe in
2008, vidéo

Haroon Mirza
Truism on a G,
2007, installation

Michel de Broin
Shelter 2009
36 tables, système de fixation,
400 X.400 X.400 cm. .

Visuel de l'article :
Alexandre Périgot
L'Île des Morts/James Bond Island
2008, Photographie couleur, 150x80cm, tirage couleur contrecollé aluminium et diasec.
Courtesy Suzanne Tarasieve

Marie Hendriks "Magpie Mirabilia"

Blandine Paploray — 2008-12-30T19:09:01Z

Exposition personnelle
La jeune artiste néerlandaise met en scène histoires, souvenirs, mythes et légendes dans des décors à la fois baroques et anachroniques. English Version, click here

English version, click here

Marie Hendriks met en scène histoires, souvenirs, mythes et légendes dans des décors à la fois baroques et anachroniques. Ses photographies, vidéos et installations se caractérisent par une mise en scène sophistiquée dont le sens du détail, la richesse ornementale et le goût des textures rappellent autant les peintures flamandes du XVe siècle que le travail d'artistes comme Eija-Liisa Ahtila ou Peter Greenaway.

Marie Hendriks est née à Nijmegen, aux Pays-Bas, en 1981. Elle vit et travaille à Paris. Elle est résidente à Mains d'Œuvres.

Vernissage le samedi 14 février de 18h à 22h, suivi d'un concert de Marie Hendriks. Exposition coproduite par : Mains d'Œuvres, Espace Croisé, centre d'art contemporain de Roubaix et Le Fresnoy avec le soutien de l'Ambassade du Royaume des Pays-Bas, le CRRAV, Centre Régional de Ressources Audiovisuelles en Nord-Pas-de-Calais, Région Nord-Pas-de-Calais, Le Palais des Beaux-Arts de Lille, la Box et l'Ecole Nationale Supérieure d'Art de Bourges, le Drumband Wilhelmina de Numansdorp, Moquettes Jules Flipo, Jardins de Drulon.

Voir la vidéo de l'exposition

Légende visuels : Marie Hendriks "Put it behind"(2007) et "Défaire l'héritière" (2007, production Le Fresnoy)

Dans le cadre de l'exposition, J'AIME LES DIMANCHES A MAINS D'ŒUVRES une programmation baroque et électrique : visite, conférence, projection....

L'expositon de Marie Hendriks vue par Vinciane Verguethen.

Charlie Jeffery « Sculpting time »

Blandine Paploray — 2008-11-16T17:33:40Z

Exposition personnelle à l'occasion de la fin de la résidence de l'artiste à Mains d'Œuvres. English Version, click here

Douze jours. Douze jours pendant lesquels Charlie Jeffery fait de l'espace d'exposition son atelier afin d'y présenter le processus par lequel il s'approprie et transforme objets et matériaux informes tels la boue et la mousse polyuréthane. Sculpting Time se présente comme une accumulation en temps réel de strates successives mais aussi comme une mise en abyme : Charlie Jeffery confronte son travail à une sélection personnelle d'oeuvres d'autres artistes.

Sculpting Time évoque d'abord « le moment de sculpter ». Charlie Jeffery s'intéresse en effet aux dimensions physique et temporelle du geste artistique, il nous propose donc d'assister à la conception d'une œuvre pendant toute la durée de l'exposition : les objets trouvés et autres rebuts qui constituent sa matière première sont amoncelés, progressivement transformés, parasitant peu à peu les œuvres créées ces trois dernières années. La sculpture de Charlie Jeffery ne se définit pas seulement par son résultat, l'œuvre-objet, mais aussi par l'expérience de la fabrication, du découpage, de l'assemblage. Il est d'ailleurs difficile de parler d'un aboutissement stable puisque l'artiste recherche au contraire la possibilité d'une sculpture évolutive, qui ne soit pas figée. Ainsi, il lui arrive de reprendre des éléments d'une œuvre pour en composer d'autres. On retrouve également ce goût pour le geste physique et pour l'évolution lorsque, armé d'une hache, il scinde en deux un objet comme une chaise ou un réfrigérateur, rappelant ainsi l'idée d'un état primitif de tout être vivant, lorsque une cellule se divise pour mieux ensuite se multiplier et devenir un organisme complexe.

Mais Sculpting Time doit aussi se comprendre comme « l'action de sculpter le temps », car Charlie Jeffery agit sur le temps comme matériau, notamment par son travail de decoupage et remontage video. Si le processus de création importe à l'artiste, la présence physique du regardeur qui entre en relation avec les œuvres à un moment précis, dans un contexte particulier, est également essentielle. Le mobilier qu'il conçoit est le meilleur exemple de cette préoccupation, et doit beaucoup à ceux de Franz West et de Michelangelo Pistoletto. Quant à l'idée d'une sculpture qui prenne compte de l'écoulement du temps, elle rappelle les sculptures-actions de Roman Signer, fortes sources d'influence pour Charlie Jeffery. Mais là ou Signer s'intéresse à la fugacité de l'instant, Jeffery en revanche recherche l'évocation d'un changement permanent et potentiellement infini, malgré tout ancré dans la matérialité de l'œuvre.

L'artiste travaille souvent à partir d'objets trouvés dans la rue ou de matériaux banals : carton, meubles usagés, polystyrène, mousse expansée, boue, poussière. Il ne s'agit pas ici d'une volonté écologique de recyclage, ce choix n'a pas de portée idéologique. A l'image du concept de « bas matérialisme » de Georges Bataille, Charlie Jeffery fait avec ce qui est là, à sa portée, sans chercher à ennoblir ces matériaux par leur transformation sans les placer au sommet d'une quelconque hiérarchie, au contraire des artistes matiéristes. Mais il s'évertue à leur donner une forme, à révéler leur potentiel, en les reconfigurant jusqu'à faire surgir des résultats inattendus. Le langage est aussi un thème de prédilection de l'artiste. Il s'attache notamment à incarner des phrases percutantes dans des matières malléables, explorant ainsi la plasticité du langage, l'apparence, le rythme des mots, et nous poussant à nous arrêter face à des formulations qui s'avèrent plus complexes que ce que laisse croire leur apparence tautologique. En cela, et dans la diversité de ses approches créatrices, il se rapproche de Bruce Nauman, autre influence majeure.

A la vidéo, à la sculpture et à l'écriture s'ajoute un projet singulier, mené en collaboration avec Dan Robinson depuis 2005, le Mud Office. Ce « bureau de la boue », société fictive dotée de son site web (www.mudoffice.eu), est une parodie grinçante du secteur tertiaire, proposant d'absurdes services liés à un matériau dont la valeur économique est proche de zéro, ce qui nous rappelle que l'œuvre de Charlie Jeffery comporte aussi une dimension humoristique touchant au nonsense. Le Mud Office, sous la forme du Mud Orchestra, participe à l'exposition par le biais d'une performance finale.

Sculpting Time rend compte de la multiplicité des pratiques de Charlie Jeffery. Il est au croisement de plusieurs voies, et l'absence de choix d'une trajectoire unique nourrit son œuvre, comme en témoigne Either or Either, premier élément de la série In/decision, créé pour l'exposition : cette paire de flèches bi-directionnelles, en plus de faire écho à sa préoccupation du double, montre bien que l'artiste est lui-même partagé face à une infinité d'alternatives. Ainsi, la division, notion qui traverse presque tout son œuvre, pourrait s'avérer être, plus qu'une simple méthode de travail, le reflet des tiraillements qui assaillent tout esprit conscient –à commencer par le sien.

Charlie Jeffery est né en 1975 à Oxford. Il vit et travaille à Paris. Point culminant de trois années de résidence à Mains d'Œuvres, Sculpting Time est sa première exposition personnelle.

Texte écrit par Isabelle Le Normand et Annabel Rioux.

Voir le journal de l'exposition : http://sculpting-time.blogspot.com/

L'exposition Sculpting Time est soutenue par la Mairie de Paris et la société Di Fax

Vernissage le vendredi 5 décembre de 18H à 22H suivi de Pillars Of Fire, projet pluri-disciplinaire franco-américain regroupe les artistes visuels/musiciens Julien Langendorff et Jason Glasser ainsi que Matteah Baim, moitié du projet Metallic Falcons avec Sierra Cassady et auteur de l'album "Death Of The Sun" (DiCristina rec).

Atelier jeune public, samedi 13 décembre

Sans titre.

Small monument, 2006, polystyrène et lettres.

aménagement de bureau
installation et design permanente pour l'association au bout du plongeoir, invitation de Nathalie Travers
matériaux divers, Le Domaine de Tizé, Rennes, inauguration novembre 2008

Multiple wrong Installation, Photocopieur détruit avec une hache
exposition Intervention, commissaire Richard Ducker
Fieldgate gallery, Londres 2007

www.mudoffice.eu
www.if-you-dont-know-i-cant-tell-yo...
www.charliejefferyunderconstruction...

Système C – un festival de la coïncidence

Blandine Paploray — 2008-10-23T09:17:43Z

Exposition collective
A l'origine, une simple question d'ordre dans la succession des événements. Paul Auster, La musique du hasard, Babel.
Une exposition proposée par Mathilde Faulcon, Géraldine Miquelot, Pierre Vialle en partenariat avec Paris 8.

Artistes : Sophie Calle, Florent Di Bartolo, Éric Duyckaerts, Eddie135, Jean-Noël Escande Patricia Esquivias, Richard Fauguet, Yona Friedman, Olivier Gourvil, Patrice Hamel, les K.Kliniques, Alice Maurel, Noëmie Maurouard, le collectif Microtruc, Thierry Mouillé, Antoine Schmitt, Gabriel Stollsteiner, Linda Suthiry Suk, Jan Voss, Dana Wyse.

On dit de deux choses qu'elles « coïncident » lorsqu'elles se rencontrent dans le temps et parfois dans l'espace. Si, par hasard, ces deux choses se font écho, si leur confrontation a du sens, alors naît la coïncidence. Point d'intersection de deux trajectoires, cette connexion particulière transforme un simple croisement en une véritable rencontre. Système C – un festival de la coïncidence est né de la volonté de réunir les points de vue de trois jeunes commissaires sur la place possible de la coïncidence dans le processus de création.

Les performances qui rythment le festival sont autant d'occasions de susciter des rencontres, de ménager une place à l'imprévu (Noëmie Maurouard, les K.Kliniques), notamment en impliquant le public dans le processus créatif (Alice Maurel, Eddie135).

Le mot système évoque la possibilité que le monde, au-delà de ses incohérences apparentes, soit organisé selon une logique qui nous dépasse. Dans des perspectives diverses (poétique, scientifique ou didactique), les œuvres de Jan Voss, Eric Duyckaerts et Patricia Esquivias mettent en jeu cette idée que tout est lié, d'une manière ou d'une autre. Seules manquent les occasions d'en prendre conscience.

L'espace public, où se croisent des trajectoires autonomes, est propice à la survenue d'une coïncidence. Ainsi, la ville peut devenir le théâtre d'expériences esthétiques inattendues grâce à un outil aussi banal qu'un téléphone portable (collectif Microtruc et Linda Suthiry Suk), tandis que la ville rêvée nous permet d'imaginer d'autres conceptions de l'espace urbain (Yona Friedman, Thierry Mouillé).

Images du village global par excellence, Internet, et par extension l'informatique, permettent aux artistes d'explorer les potentialités du hasard dans un contexte infini, puisque virtuel : en exploitant les réseaux peer-to-peer (Florent di Bartolo) ou par la programmation d'œuvres auto-génératives (Antoine Schmitt).

Le texte, soumis à des interprétations diverses selon la subjectivité du lecteur, constitue également un support privilégié d'expérimentations : Sophie Calle transpose le récit romanesque dans le réel en s'emparant d'un personnage de Paul Auster, et Patrice Hamel évoque le rapport des mots à leur contexte en soumettant leur lecture aux contraintes du lieu.

Système C – un festival de la coïncidence propose une certaine « succession des événements », où les trajectoires singulières suscitées par les œuvres célèbrent l'irruption du hasard dans le quotidien.

Voir aussi la programmation des dimanches (visite, rencontres, perfromances)

Une proposition des Stéréotypes associés : Mathilde Faulcon, Géraldine Miquelot, Pierre Vialle en partenariat avec Paris 8

Exposition réalisée avec des œuvres de la Collection publique d'art contemporain du Conseil Général de la Seine-Saint-Denis, de la Collection du Fonds régional d'art contemporain d'Île-de-France et de la Collection du Fonds municipal d'art contemporain de la Ville de Paris.

Plus d'informations sur www.festivaldelacoincidence.org